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Guyana se tiñe de sangre: la masacre de Jonestown, narrada por Manowar

Un 18 de noviembre de 1978 más de 900 personas yacían en el suelo en Jonestown, sede del “Peoples Temple”, una comunidad religiosa dirigida por Jim Jones. Acababa de tener lugar un suceso considerado como el mayor suicidio en masa de todos los tiempos, aunque quizás fuera más exacto considerarlo un asesinato. Estos hechos generaron un fuerte impacto en la sociedad estadounidense, de donde procedía aquel grupo, y pronto quedaron reflejados en el mundo audiovisual. Uno de los ejemplos más destacados es la canción Guyana (The Cult of the Damned), incluida en el disco Sign of the Hammer, lanzado en 1984 por Manowar, uno de los grupos más conocidos y paradigmáticos del heavy metal norteamericano.

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La historia del Templo del Pueblo arranca en Indiana, cuando Jim Jones, un joven defensor de la igualdad racial vinculado al Partido Comunista estadounidense, funda el Templo del Pueblo, una comunidad protestante acorde a sus ideas. Pronto se traslada a San Francisco, donde va adquiriendo mayor notoriedad; pero ante las sospechas de que algunas de sus actividades eran delictivas, Jones decide fundar un asentamiento en Guyana, donde llevaría a cabo un proyecto de comunidad socialista bajo su control. Allí le acompañaron centenares de seguidores, en buena parte afroamericanos. En Guyana (The Cult of the Damned) se hace referencia al duro trabajo de la tierra en aquel asentamiento tropical, siempre bajo el férreo control de Jim Jones, que detentaba un poder absoluto y trataba de evitar a toda costa cualquier deserción –lo vemos en versos como (…) we all worked the land, too afraid to look up, we all feared his hand (todos trabajábamos la tierra, demasiado asustados para buscar, todos temíamos su mano); Were you a God or a man in a play, who took our applause and forced us to stay? (¿Eras un dios o un hombre actuando, quien consiguió nuestro aplauso y nos obligó a quedarnos?), etc.-. Pero las noticias llegaron a EE.UU., y el congresista Leo Ryan fue enviado a Jonestown a investigar. Cuando se disponía a regresar, junto con algunos disidentes de la comunidad, fue asesinado, e inmediatamente Jones optó por ejecutar lo que él consideraba un último “acto revolucionario” contra el sistema: un suicidio en masa. Todos los miembros de la comunidad fueron obligados a ingerir cianuro potásico diluido en una bebida dulce (en la canción se refleja la creencia popular de que fue con Kool-Aid: Thank you for the Kool-Aid, Reverend Jim (Gracias por el Kool-Aid, reverendo Jim). De hecho, drink the Kool-Aid pasó a ser una frase hecha que significa “aceptar hacer algo negativo por sentirse presionado para ello”). Los primeros en fallecer fueron los más de 200 niños, a los que se obligó a beber el veneno, siguiéndole después el resto, si bien Jim Jones falleció por un disparo –Now all together we lived as we died, on your command, by your side; Be good to the children and old people first, hand them a drink, they’re dying of thirst (Ahora todos juntos como hemos vivido como hemos muerto, a tus órdenes, a tu lado; Sed buenos con los niños y los ancianos en primer lugar, dadles una bebida, que están muriéndose de sed); etc.-.

Como hemos visto, la masacre de Jonestown tuvo un impacto importante en la cultura popular estadounidense, y este tema de Manowar es una muestra más del interés que generaron esos sucesos, que también se han visto reflejados en otros elementos del mundo audiovisual (música, cine, etc.). A fin de cuentas, es habitual que los episodios más oscuros sean los que más focos acaparan.

 Enlace a Guyana (The Cult of the Damned), de Manowar:

Ecos del pasado que susurran runas: la música de Wardruna

El interés por la Historia nórdica está bastante extendido en la actualidad y encontramos elementos de la cultura vikinga presentes en películas, series, libros, etc. La música no es una excepción, y no son pocos los grupos que hacen referencia en sus letras al mundo nórdico. De este interés llega incluso a surgir un subgénero musical en el que la temática vikinga es la protagonista –el conocido como “Viking Metal”-, rememorando a los guerreros escandinavos que combatieron por buena parte de Europa en numerosas campañas durante el Medievo. También ha tenido gran protagonismo el aspecto mitológico, con las venturas y desventuras de los principales dioses nórdicos como protagonistas.

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Pero la religiosidad de aquellos hombres del norte iba más allá de los relatos de sus divinidades, ya que todo un complejo universo simbólico empapaba su sociedad y daba forma a todas sus manifestaciones culturales. Es precisamente esa atmósfera particular la que pretende recrear Wardruna, un proyecto musical noruego nacido en el año 2003 y formado por Einar Selvik “Kvitrafn”, Kristian Eivind Espedal “Gaahl” –destacado vocalista de black metal- y Lindy Fay Hella. Para cumplir su objetivo de alcanzar un sonido que pueda remitir al de hace siglos, en las composiciones de Wardruna se emplean principalmente instrumentos similares a los de aquella época (kraviklyras, talharpas, así como diversos instrumentos elaborados huesos, astas, pieles, etc.), lo que muestra el interés en ser fieles a la historia musical de la zona. Asimismo, sus canciones están siempre acompañadas de variados sonidos naturales, como pueden ser la lluvia, el crepitar del fuego, el viento ululando, el galope de los caballos, etc. En cuanto a las letras, buena parte de ellas son interpretadas en idioma nórdico antiguo –si bien algunas están en noruego actual-, y siempre hacen referencia a elementos de la religiosidad y la mentalidad de época vikinga (las divinidades, la estructura del universo, la escala de valores, etc.)

Todo ello ha cristalizado, hasta la fecha, en tres álbumes que constituyen una trilogía: Runaljod – gap var Ginnunga (2009), Runaljod – Yggdrasil (2013) y Runaljod – Ragnarok (2016). Cada uno de estos discos de Wardruna está dedicado a un conjunto de runas, hasta componer temas referidos a cada uno de los 24 símbolos que conforman el futhark antiguo (la más primitiva forma del alfabeto rúnico, que no era empleado solo como modo de escritura, sino que tenía un significado mágico), cada uno con sus peculiares características e interpretaciones.

Los géneros musicales en los que suele etiquetarse Wardruna (folk y ambient) son bastante susceptibles de tener presentes elementos históricos a la hora de componer, y así ha sido en este caso que, quizás, sea de los más conocidos, al haber sido empleadas muchas de las canciones de este grupo en la popular serie televisiva Vikings.

Historia en clave de Nobel: la lucha por los derechos civiles y Bob Dylan

Ríos de tinta han corrido desde la concesión a Bob Dylan del premio Nobel de literatura, unos felicitándose por ello y otros criticando esa decisión. No nos corresponde aquí tomar partido, pero se puede aprovechar para referirnos a la Historia en sus letras.

Es verdad que las composiciones de Bob Dylan no se caracterizan por hacer mucha referencia a sucesos del pasado, pero uno de sus temas predilectos –la denuncia de la desigualdad racial- entronca con la Historia de las Mentalidades. Y como estadounidense que es, resulta inevitable la referencia a la esclavitud en la Norteamérica contemporánea, hecho que para la comunidad afroamericana sigue estando muy presente, pese al tiempo que lleva abolida.

La primera composición de Bob Dylan que viene a la cabeza de la mayoría cuando se piensa en la discriminación racial suele ser Hurricane (1976), en la que narra la historia del boxeador de raza negra Rubin Carter, acusado sin pruebas de un triple asesinato. Aunque en el momento del lanzamiento el tema de la canción estaba de actualidad, a día de hoy constituye un interesante retrato, no solo de un caso concreto de denuncia frente a lo que se consideraba una grave injusticia, sino de todo un contexto sociopolítico y mental: desde hacía unos años estaba ganando cada vez más fuerza en los Estados Unidos el Movimiento por los Derechos Civiles, que reclamaba el fin de cualquier tipo de discriminación racial en el país, y cuya coincidencia con el movimiento pacifista –otra constante en las letras de Dylan- representaba una importante amenaza para el sistema en su conjunto, por lo que implicaba a nivel de cambio social y en el pensamiento colectivo.

Además de la archiconocida Hurricane, otras composiciones del recientemente galardonado con el Nobel remiten a este mismo contexto, y en particular podemos citar The Death of Emmett Till –un joven de raza negra, cuyo asesinato en 1955 marcó un hito en el surgimiento del movimiento de contestación frente a la segregación racial, que de facto imperaba en el país-, The lonesome death of Hattie Carroll –otro de esos casos que concienció a muchos sobre el problema racial- o Blind Willie McTell –un afamado intérprete de blues, cuya historia enlaza con referencias al pasado esclavista de los estados sureños-.

Por lo tanto, y aunque en la vasta obra de Bob Dylan la Historia dista mucho de tener una presencia destacada, si que nos permite acercarnos a un destacado proceso sociopolítico, como es el de la lucha por la igualdad de derechos civiles, partiendo de casos concretos que permiten hacer un retrato de aquel tiempo (tan cercano, en realidad). Aunque sin olvidar que, aunque estas canciones pongan banda sonora a esos acontecimientos y procesos, no deja de ser una visión subjetiva. Pero difícilmente una fuente no lo es, y menos si al arte nos referimos.

The Get Down: del disco al hip hop

Ficha técnica:
Título: The get down
Género: Drama musical. Años 70.
Creadores: Baz Luhrmann y Stephen Adly Guirgis
País: Estados Unidos
Año: 2016
Reparto: Justice Smith, Herizen F. Guardiola, Shameik Moore, Skylan Brooks, Jaden Smith, Giancarlo Esposito, Jimmy Smits, etc.
Productora: Netflix y Sony Pictures Television.

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Este mes nos ha llegado el estreno de una de las series más esperadas del año, de mano de una de las productoras estrella en la actualidad que está cambiando el modo de entender la televisión –Netflix. Se trata de The Get Down, cuyos 12 episodios (de los cuales sólo se han emitido 6, reservando el resto para una fecha indeterminada de 2017) han contado con un presupuesto de 120 millones de dólares, que se invirtieron en recrear escenarios devastadores propios de un país en guerra para representar el barrio neoyorquino del Bronx. Muestra, asimismo, una gran atención a los detalles, especialmente en el vestuario y la música.

De este modo, nos trasladamos al año 1977 a un Nueva York de grandes contrastes. Por un lado tenemos el “mundo blanco” de Manhattan, marcado por la presencia de grandes hombres de negocios, especulación y protagonizada por las elecciones a la alcaldía de la ciudad. En este aspecto podemos destacar el gran apagón que sufrieron en pleno julio, que duró tres días y causó innumerables saqueos, protestas y detenciones. Ello propició el ascenso del demócrata Edward I. Koch, cuyo discurso estaba marcado por la necesidad de retomar el orden en una ciudad perdida en su propio caos, especialmente en el barrio marginal del Bronx. Será aquí donde transcurrirá el grueso de la serie, mostrando el otro lado de la ciudad, marcado por la presencia mayoritaria de afroamericanos y latinoamericanos, con un enorme índice de paro, pobreza y criminalidad.

La industria musical, omnipresente en todo momento, se encuentra dominada por la música disco, con grandes nombres como Donna Summer, The Trammps o Boney M, siendo aquí donde quiere triunfar la protagonista femenina Mylene Cruz –interpretada por Herizen Guardiola–. Sin embargo, en los barrios bajos se va formando un nuevo sentimiento, más oscuro y que retrata la realidad del momento de forma cruda y sin tapujos. Es en este entorno donde se halla el nacimiento del hip hop, que es el auténtico protagonista de la producción.

Aquí es donde destaca la gran labor de la serie, ya que contó con asesores que vivieron en primera línea dicho nacimiento. Un ejemplo de ello es el rapero Grandmaster Flash, que incluso aparece interpretado, y que aporta a la serie no sólo su visión de la época, sino también del estilo y de los aspectos más técnicos en la creación musical. Ocurre lo mismo con DJ Kool Herc, considerado uno de los padres del hip hop.

Por último, cabe destacar también un aspecto que siempre estuvo olvidado, pero que fue vital –como se indica en un momento de la serie– para que un disco conociera o no la salida al mercado. Se trata del mundo gay, uno de los grupos marginales más rebeldes, que dominaba muchas de las discotecas más populares y elitistas de la época en Nueva York. Recordemos que fue en 1969 cuando ocurrieron los Disturbios de Stonewall, icónico momento que representó el origen de las marchas LGTB y la lucha por los derechos sociales para este colectivo, aumentando así su presencia en la sociedad norteamericana.

Todo ello convierte a esta serie en un nuevo ejemplo de querer representar distintas realidades sociales en un contexto histórico no tan lejano. La lucha por la igualdad de oportunidades consigue, de este modo, una nueva banda sonora, esta vez a base de disco y hip hop.


[Imágenes extraídas de http://www.nationofbillions.com y http://www.vogue.com]

Nightwish y Tutankamon

No es la primera vez que tratamos en el Octavo Historiador la figura del famoso faraón niño Tutankamon (“La serie Tut: un análisis crítico”). En ese artículo se analizó la serie de Muse Entertainment  llamada Tut y en esta ocasión, os traemos otra visión, esta vez a través de la música con la canción Tutankhamen de Nightwish.

Nightwish es un grupo de metal sinfónico finlandés que nació en el año 1996, creado por el compositor Tuomas Holopainen. El primer disco que publicaron fue Angels Fall First, siendo precisamente aquí donde aparece dicha canción.

La temática egipcia la han empleado en otras ocasiones como, por ejemplo en The Pharaoh sails to Orion, de su segundo disco Oceanborn, aunque en este caso no hablan de ningún faraón en concreto.

Volviendo a la canción de Tutankhamen, en las primeras estrofas, aparecen algunos elementos de la cultura egipcia, como las pirámides, templos y gatos (animales adorados por estos):

As the sun sets beyond the pyramid  […]

(Mientras el sol cae más allá de la pirámide)

Hear the cats meowing in the temple […]

(Escucha a los gatos maullar en el templo)

 

Llegando al estribillo, este menciona el tesoro de Tutankamon (famoso por permanecer intacto a través del tiempo) y el Valle de los Reyes, lugar donde se encuentra su tumba (la KV62), al igual que la de otros faraones del Imperio Nuevo. También resulta curioso que mencione una “puerta estelar”, esto puede deberse a la influencia del compositor de las bandas sonoras de películas. En este caso podría tratarse de “Stargate”, que se estrenó en 1994. Además, la egipcia es una civilización que la cultura popular ha gustado de mezclar con elementos alienígenas por lo que no sería de extrañar la influencia de la película en la canción.

      Treasure of Tutankhamen […]

                                                                  (Tesoro de Tutankamon)

Take me with you

(Llévame contigo)

                                                                             Through the stargate   

     To the valley of the kings 

         (A través de la “puerta estelar”

                                                                  hacia el Valle de los Reyes)

 

La última parte sí que ya tiene un mayor contenido histórico, pues habla del descubrimiento de la tumba por Howard Carter, que sucedió en el año 1922 y de los 3 milenios que llevaba esta oculta.

    Three millenniums it took me to guard your rest […]

      (Tres milenios me ha llevado velar tu descanso)

       But tonight the darkness in the tomb has perished 
          For Carter has come to free my beloved

            (Pero esta noche la oscuridad en la tumba ha perecido

             Por Carter  que ha venido a liberar a mi amado)

Como podemos ver, la canción no hace referencia ninguna a aspectos de la vida del faraón, sino más bien a su sepulcro. Este es otro ejemplo más de la gran fama que tuvo el hallazgo de la tumba de Tutankamon y que aún a día de hoy es lo que más atrae de este personaje, ya sea por las circunstancias de su descubrimiento (que el tesoro estuviese intacto, la supuesta “maldición”, etc.) o que es lo que más se conoce de este faraón niño.

Aquí os dejamos la canción!

Nightwish – Tutankhamen


[Imagen extraída de: 1.bp.blogspot.com]

Mona Lisa Smile

Hace un par de semanas se estrenó el vídeo oficial de la canción “Mona Lisa Smile”, del cantante y productor will.i.am, con la colaboración de Nicole Scherzinger (más conocida por haber formado parte de Pussycat Dolls). A pesar de haber sacado su último disco #willpower en abril de 2013, es ahora cuando se nos presenta la producción visual de este tema, debido a la complejidad técnica que tuvo.

En él podemos ver cómo el artista homenajea al Louvre de París, haciendo un repaso por algunas de las obras más destacadas del famoso museo. En todo momento salen ellos mismos representando a los protagonistas de los cuadros que nos presentan, centrándose más en la estrella del lugar: la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

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En el vídeo podemos ver un sinfín de cuadros, de los cuales llega a versionar hasta una veintena. Entre ellos se pueden destacar, además de la propia Mona Lisa, La Libertad guiando al Pueblo (de E. Delacroix), La joven de la perla (de J. Vermeer) o Napoleón cruzando los Alpes (de Jacques-Louis David). Del mismo modo, a lo largo de este peculiar repaso se pueden apreciar otras obras que aparecen en su forma original, como el Juramento de los Horacios (también de Jacques-Louis David) o dos de las más prestigiosas de T. Géricault: La Balsa de la Medusa y la Carrera de caballos de Epsom. Estas, junto con las demás, aparecen en el auditorio del museo.
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Del mismo modo, de forma paralela, se realizó un documental entre el Museo del Louvre y will.i.am de apenas 13 minutos donde vemos a este último haciendo un recorrido por las instalaciones del s. XVIII. Le acompaña el historiador Frédéric Dassas, quien le explica detalles de algunas de las obras que van encontrando y que llegan a fascinar al cantante. Él mismo llega a comentar la importancia que tienen los museos al preservar la labor de artistas que perduran en el tiempo, algo totalmente necesario y que se contrapone a la realidad actual. Pone el ejemplo comparativo de un retrato pictórico que está hecho para durar en el tiempo, frente a las fotos que sacamos a día de hoy y que son totalmente efímeras.

En este enlace podemos ver tanto el videoclip como el documental (en inglés): http://iamfansite.com/2016/04/smile-mona-lisa-music-video-documentary


[Imágenes extraídas del propio vídeo]

Epic Rap Battles of History – Rap, Historia y cultura popular.

¿Os imagináis unir el rap con la historia? Pues esto es lo que os traemos esta semana, el canal de Youtube “Epic Rap Battles of History”. Esta idea nació de la mano de Peter Shukoff y Lloyd Ahlquist, a quienes se les ocurrió unir personajes históricos y de la cultura popular contemporánea en batallas de rap

La primera que realizaron fue Michael J. Fox (protagonista de Regreso al futuro) contra Chucky (el conocido muñeco diabólico). A raíz de esta, comenzaron a pedir sugerencias a sus visitantes sobre quienes querían que se enfrentasen.

Es aquí cuando entran los personajes históricos. A lo largo de sus cuatro temporadas (y futura 5ª), se puede ver cómo se enfrentan personajes de diferentes etapas, algunos con elementos en común (como el caso de Nikola Tesla vs Thomas Edison), otros relacionados entre sí e incluso contra otras figuras como actrices o personajes de cómic (Juana de Arco vs Miley Cyrus, Hitler vs Darth Vader, etc). Aunque también aparecen otras batallas en las que se enfrentan personajes no históricos.

En cuanto al “sistema” de batallas, se repite siempre el mismo esquema: se enfrentan 1 vs 1 o en grupos y cada uno se dedica a ensalzar sus virtudes y destacar los errores del otro, y al final del video, preguntan al espectador quién gana, pues son ellos los que deciden.
Sobre el apartado histórico, en las letras tratan sobre todo los aspectos más “tópicos” de los personajes que todo el mundo conoce, que además suelen ir entremezclados con referencias a la cultura popular contemporánea.

De ejemplo tenemos a Juana de Arco, que dice que se le llame Katniss Everdeen (protagonista de la saga los Juegos del Hambre) o Al Capone, que llama Edward Kenway y Johnny Depp a Barbanegra, ambos piratas, uno del videojuego Assasins Creed IV y el otro de las películas de Piratas del Caribe. En cuanto al vestuario, en algunos casos toman referencias de películas o intentan que recuerden al de los retratos de los mismos.

Puede que no resalte especialmente en lo histórico, pero es interesante ver a personajes tan dispares “enfrentados”. Además, que el público haya pedido a tantos personajes históricos deja claro el interés de este por la Historia.

Algunas de las batallas de contenido histórico que nos podemos encontrar son:

 

Enlaces de interés