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“Jan Egeland”, la biografía musical y humorística de un superhéroe de la ONU

La mezcla de música e Historia puede dar, como hemos podido comprobar muchas veces en El Octavo Historiador, unos resultados excelentes. Aunque no es lo más habitual, en ocasiones nos encontramos con composiciones de carácter biográfico sobre personajes de gran importancia histórica. Sin embargo, de vez en cuando nos encontramos con ejemplos de letras referidas a individuos mucho menos conocidos, pero que también tienen detrás una interesante biografía. Ese es el caso de Jan Egeland, en honor de quien Ylvis -dúo cómico y musical formado por los hermanos Vegard y Bård Ylvisåker- compuso una canción homónima en el año 2012.

Pero, ¿quién es este hombre exactamente? Pues bien, Jan Egeland es un diplomático noruego con décadas de experiencia en política internacional y asuntos humanitarios, con una destacada labor en la Oficina de Coordinación de Asuntos Humanitarios de la ONU a comienzos de este siglo, papel que pese a su importancia no es muy reconocido. De hecho, en la canción se compara el perfil bajo con el de otros dos políticos noruegos contemporáneos más populares en su país y en el exterior, como son Jonas Gahr Støre o Jens Stoltenberg -ex primer ministro de Noruega y actual Secretario General de la OTAN, e hijo de otro popular político nórdico- (Not as famous as Gahr Støre; not a daddy’s boy like Jens / No tan famoso como Gahr Støre; no un hijo de papá como Jens).

jan egeland superhero man

Aunque los elementos que predominan en la composición son los humorísticos -presentando la figura de Egeland como la de un superhéroe decidido, de gran sensibilidad, con afeitado apurado, elegante, con buen cuerpo y atractivas nalgas-, es constante la referencia a sus acciones en diversos conflictos, como el de Uganda o la República Democrática del Congo, así como su decisiva participación en los Acuerdos de Oslo de 1993 entre palestinos e israelíes (Uganda, Congo, and the Oslo Treaty Plan. Oh my God what a plan! / Uganda, Congo, y el plan de los Acuerdos de Oslo. Oh Dios mío, ¡menudo plan!). De hecho, su constante actividad en busca de la paz en los contextos más adversos es una constante en la letra ([…] and constantly working for peace / […] y constantemente trabajando por la paz // But when handgranades are flying there’s just one man you can trust. When there’s war an all is hell, send in Jan Egeland! The United Nations superhero man! Mad dictator with a gun, send in Jan Egeland! […] / Pero cuando las granadas de manos vuelan solo hay un hombre en quien puedes confiar. Cuando hay guerra y todo es infernal, ¡envía a Jan Egeland! El superhéroe de las Naciones Unidas. [Si hay] un dictador loco con un arma, ¡envía a Jan Egeland! […]).

Ylvis también aprovecha para dar más toques humorísticos refiriéndose a la relación entre el diplomático noruego y otros personajes populares, como Kofi Annan -Secretario General de la ONU durante 10 años- o George Clooney -refiriéndose a una fotografía que se hizo con él en el conflicto de Darfur (Sudán), ojeando mapas de la zona-. No es algo que ayude a profundizar en la figura de Egeland, pero es inherente a este tipo de composiciones el recurso a este tipo de elementos.

Así, queda claro que esta breve biografía en clave de humor dista mucho de ser lo más adecuado para conocer en profundidad la vida de cualquier personaje, pero es cierto que puede servir para que individuos que ejercen labores de gran importancia social dejen de ser desconocidos para el gran público. De hecho, los componentes de Ylvis señalaron que esa fue la razón que les llevó a componer la canción sobre Jan Egeland. Y esto es una buena muestra más de lo interesante que puede ser mezclar distintos géneros como la Historia, el humor y la música.

Vídeo de “Jan Egeland”, de Ylvis:

 

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Entrevista con Pär Sundström (Sabaton)

En El Octavo Historiador hemos tenido la ocasión de realizar una entrevista con Pär Sundström, bajista y fundador del grupo Sabaton, del cual ya hemos reseñado con anterioridad algunas canciones, como es el caso de “En la cabeza resuenan balas: Trastorno por estrés postraumático y heavy metal” y “Acordes de absolutismo: <<Carolus rex>>”.

Entrevista a Pär Sundström (Castellano)

 

El Octavo Historiador just had the occasion of interview Pär Sundstörm, bassist and founder of the music group Sabaton. We have already made some articles about them in previous times with some of their songs, such as in “En la cabeza resuenan balas: Trastorno por estrés postraumático y heavy metal” and in “Acordes de absolutismo: <<Carolus rex>>[just available in Spanish].

Interview with Pär Sundström (Inglés)

 

 


 [Imagen de portada extraída de Wikipedia]

Wagner y la Historia: “Rienzi” y la Roma medieval

La presencia de temas históricos en la música no es un fenómeno reciente, sino que ha sido muy común desde hace siglos. Ejemplo de ello es uno de los géneros con mayor recorrido de la música contemporánea, la ópera, caso de una de las obras más conocidas de Richard Wagner, Rienzi, estrenada en el ya lejano año de 1842. En esta composición -una “grand opera” de la que el propio Wagner renegó años más tarde por considerarla simplemente una obra de formación- se reflejan los últimos acontecimientos de la vida de Cola di Rienzo, un destacado personaje de la Roma bajomedieval; si bien Wagner no se basó para el libreto en biografías académicas, sino en la novela Rienzi, el último de los tribunos, de Edward Bulwer-Lytton.

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Nicola Gabrini, conocido como Cola di Rienzo, fue un notario papal que, gracias al apoyo del papa Clemente VI, logró hacerse con el poder en la ciudad de Roma a mediados del siglo XIV, tras convertirse en tribuno del pueblo y desalojar del gobierno a las familias aristocráticas locales. En Rienzi se obviará buena parte de la biografía del protagonista: no se reflejan sus años de juventud, ni tampoco su fulgurante ascenso al poder, sino que solo aparecen sus últimos años, tras ser proclamado “tribuno” por las masas populares romanas en el año 1347, tras una intensa campaña del propio Cola di Rienzo contra las principales familias aristocráticas de Roma (sobre todo los Colonna y los Orsini), apoyado por el papado, que tampoco tenía buenas relaciones con éstas. Wagner inicia esta popular opera en el momento en el que Cola di Rienzo está en la cumbre de su popularidad, cuando pese a los intentos de los aristócratas para asesinarlo y subvertir la situación, tiene el total apoyo de un pueblo al que ha seducido con diversas medidas políticas y el recurso a la grandeza perdida de la Roma clásica (de hecho, en el segundo acto se incluye una representación del episodio del suicidio de Lucrecia que desembocó en la proclamación de la República romana casi dos milenios antes, vinculando así ambas luchas antiaristocráticas). Tras salir victorioso de la revuelta de los antiguos oligarcas, mostrándose magnánimo con ellos, en los dos últimos actos se pasa ya al año 1354, con la decadencia de Cola di Rienzo, que por diversas causas ha perdido el favor del pueblo así como del papado, que se ve amenazado por sus aspiraciones sobre Italia-. Una nueva revuelta de las principales familias de la nobleza romana acaban con el asesinato de Rienzo, si bien en este caso la ficción se disocia bastante de la realidad: en la ópera el protagonista muere abrasado en el Capitolio, al que le habían plantado fuego, mientras que en realidad su cuerpo solo fue quemado tras haberlo decapitado.

Pero no solo el trágico final del tribuno es modificado con respecto a los hechos históricos, ya que tampoco es real el hilo referente a la relación entre su hermana Irene y Adriano, amigo de Rienzo y a la vez hijo de uno de sus principales enemigos. Asimismo, tampoco se profundiza en las razones políticas, económicas y sociales que permitieron el ascenso y la caída del protagonista. La ambientación si es en general realista -los diversos actos suceden en lugares reales como el Capitolio, el Foro o la iglesia de San Juan de Letrán, si bien al tratarse de una representación, el realismo de estos (como también las vestimentas y otros elementos) depende en buena medida del trabajo de cada director encargado de representar Rienzi.

Podemos decir, por tanto, que el extraordinario compositor Richard Wagner da muestras en Rienzi de su interés por temáticas históricas (aunque la Historia esté supeditada a la narración que le interesa representar), a lo que no serán ajenos otros grandes de la música clásica en general, y de la ópera en particular. En otros estilos musicales de aparición mucho más reciente el pasado también será empleado en las letras, aunque no está de más tratar también a géneros ahora menos populares, pero que tanta importancia han tenido, y que nos permiten comprobar que el pasado nunca ha dejado de ser sumamente sugestivo para el Arte.

Enlace al audio de “Rienzi” completa:

“Tróndur í Gøtu” de Týr: la resistencia del paganismo en las Feroe

Un sinfín de canciones beben de hechos del pasado en sus letras. Este es el caso de Tróndur í Gøtu, tema compuesto por Týr y centrado en la figura de un destacado caudillo vikingo de las islas Feroe. Es habitual que los diversos subgéneros dentro del heavy metal hagan referencias a personajes o acontecimientos históricos, y en el caso concreto de Týr son constantes sus referencias a la era vikinga en general, así como al folklore feroés más relacionado con ese período. Los acordes del tema al que hoy nos referimos nos retrotraen al proceso de cristianización de Escandinavia, centrándose en la figura de Tróndur í Gøtu, un caudillo vikingo de las islas Feroe que se erigió en uno de los más firmes opositores a la implantación del Cristianismo en el archipiélago.

Aunque un reducido grupo de eremitas irlandeses se habían instalado en las islas por un breve período en el siglo VII, no fue hasta inicios del siglo IX cuando grupos de vikingos iniciaron una colonización efectiva de las Feroe, llevando consigo su religión. Sin embargo, el archipiélago no se puedo mantener al margen del proceso de sustitución de las creencias paganas por las cristianas en el ámbito escandinavo. Dinamarca había sido el primer reino en el que culminó este proceso, mientras que Noruega fue el siguiente, durante el reinado de Olaf Trygvasson (Olaf I). No obstante, para alcanzar su objetivo este monarca tuvo que enfrentarse a una decidida oposición de buena parte de la población. Este rey envió misioneros a las islas Feroe -que estaban bajo la órbita noruega-, donde contó con la colaboración del líder local Sígmundur Brestisson, ya convertido a la nueva fe para tratar de influir en el Althing -el parlamento feroés- y lograr una rápida conversión.

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Es aquí cuando comienza a destacar Thrándur Thorbjörnsson (conocido como Tróndur í Gøtu) acaudillando a los defensores de las antiguas tradiciones nórdicas. Sus actuaciones las conocemos gracias a la Saga de los Feroeses, un relato épico en el que se narra cómo asesina a Brestisson (tras una tormentosa y compleja relación personal previa, que incluye la adopción de este por parte de Tróndur tras participar en el asesinato de su padre). Sin embargo, y como se refiere en varias ocasiones a lo largo de la canción, Tróndur temía las represalias del rey de Noruega, como efectivamente sucedió. Si bien Olaf I falleció sin completar la cristianización del país, el ascenso al trono de Olaf Haraldsson (Olaf II el Santo) en 1015 dio un nuevo impulso al proceso, aunque la resistencia pagana feroesa encabezada por Tróndur í Gøtu se mantuvo, llegando a dar muerte al enviado real Karl Morske en 1028, lo que ponía de manifiesto que el poder efectivo en el archipiélago continuaba en sus manos, y no en las del rey. Posteriormente, el fallecimiento de Tróndur í Gøtu en 1035 traería consigo el fin de la independencia de facto de las islas Feroe y su integración en las estructuras de poder de la corona noruega, poniendo fin, de este modo, a la Era Vikinga en aquel territorio (cabe mencionar que en esta canción, el líder pagano señala que otros jefes acaban apartándose de su causa, mientras que él sí se mantendrá leal a ella hasta el día de su muerte).

Como hemos visto, en esta canción de Týr no abundan las referencias históricas concretas, sino que más bien se centra en unas reflexiones puestas en boca del propio Tróndur í Gøtu acerca del inminente conflicto entre los paganos, encabezados por él mismo, y las fuerzas enviadas por el rey Olaf. No obstante, el protagonismo que le dan a esta figura histórica puede llevar a cualquiera que lo escuche a interesarse algo más sobre unos hechos y un proceso que son relativamente poco conocidos, y ello pese a lo popular que últimamente viene siendo la Era Vikinga. El conflicto entre religiones y el proceso de sustitución de creencias y modelos de comportamiento es evidentemente muy complejo, y desde luego es algo que esta u otras composiciones musicales no dan abarcado en su totalidad, pero nunca está de más aprovecharlas para acercarse un poco más a la Historia. Y sin duda, que aparezcan hachazos por doquier seguramente no restará atractivo a aquellos seducidos por esta temática.


 

Enlace a “Tróndur í Gøtu”, de Týr:

Deadpool Ross y el lienzo de las referencias

Hace poco más de un mes salió un avance de la continuación de Deadpool y al igual que ocurre en los cómics del Mercenario Bocazas, la anterior película y su campaña de publicidad estuvieron plagadas de referencias a la cultura popular y este tráiler no es una excepción.

Lo primero que vemos es a Deadpool, vestido con un mono y con una brocha gigante pintando y a continuación aparece junto a un lienzo con una paleta de colores y brocha ya de tamaño normal. Toda la puesta en escena ya nos dice a gritos que es una referencia a algo y a una época en concreto (por la vestimenta del propio Deadpool) y efectivamente, se trata de una parodia del programa The Joy of Painting (El placer de pintar) realizado por el pintor Bob Ross y que se emitió del 83 al 94.

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Fig. 1: Deadpool Ross junto al original Bob Ross. Fuente: Captura propia y i.ytimg.com

En él, Bob Ross enseñaba cómo pintar al óleo cuadros de paisajes y siempre comenzaba enumerando los colores que utilizaría. El teaser juega con esto y vemos que los colores tienen nombres un tanto peculiares.  Si recurrimos al video en su versión original, vemos que utilizan títulos de películas que contienen un color en el nombre, como es el caso de Clockwork Orange (Naranja Mecánica), Soylent Green (que en español se tradujo a “Cuando el destino nos alcance”), Pretty ‘n Pink (La chica de rosa) o Doc Brown (en referencia a Doc de Regreso al Futuro). También hay referencias a la música, como Girls of Indigo (dueto femenino llamado Indigo Girls) y Yellow Snow, que es parte del título de una canción de Frank Zappa, Don’t Eat The Yellow Snow.

La versión en español usa otro tipo de juegos de palabras, y las únicas referencias culturales del pasado son el Naranja Mecánico y el Rosa Pantera. Esta última puede referirse tanto a la película del 63, como a la serie de animación del 64, que se realizó tras el éxito que tuvo el diseño de la pantera en los créditos del film y que se emitió hasta los 80.

Como se puede ver, tanto las películas como la música que se mencionan, datan de entre los años 60 y los 80 (centrándose sobre todo en la década de los 80). Puede que esta predilección por dichas décadas sea por recuerdos de infancia y/o adolescencia del propio Wade Wilson.

De homenaje final, vemos que el propio Bob Ross, ya fallecido, aparece en los créditos como “Pintoductor Ejecutivo” (Executive Paintducer). Está claro que Deadpool no dejará que nos olvidemos de todo lo que ha dado los 80 a la cultura popular.

 

¿De qué año data todas estas referencias?

  • La Partera Rosa: 1963
  • La Naranja Mecánica: 1971
  • Cuando el destino nos alcance: 1973
  • Don’t Eat The Yellow Snow: 1974
  • Regreso al futuro: 1985
  • Indigo Girls: 1985 – actualidad
  • La chica de rosa: 1986

 



Enlaces de interés:

Teaser Trailer de Deadpool 2 (Castellano)

Teaser Trailer de Deadpool 2 (VO)


[Imagen de portada extraída de: Captura propia]

La danza macabra

Hoy en día, en la música se siguen tratando temas que estaban ya presentes desde hace mucho tiempo. Un ejemplo de esto, es la Danza Macabra o Danza de la Muerte. Esta temática artística surgió en la Edad Media y su finalidad era hablar sobre la universalidad de la Muerte, fuese cual fuese su condición social; todos acabarían igual. En este género, se representaban a esqueletos bailando con el Papa, reyes, campesinos, mendigos, etc. como un recordatorio de lo anteriormente dicho.

Las primeras referencias que tenemos de la Danza Macabra, datan de c. 1424 y se trata de un fresco situado en París en el Cementerio de los Santos Inocentes. En esta pintura se puede ver a vivos y esqueletos en procesión, siendo los vivos de todas las clases sociales. Dicho fresco se conservó gracias al impresor Guyot Marchant, que también hizo una versión femenina (“Danse Macabre des Femmes”). También se puede ver este cementerio, que hoy en día ya no existe, en obras de ficción como, por ejemplo, Assassin’s Creed Unity.

Posteriormente, ya no solo se trataba de una danza, sino también se utilizaba como símbolo de que estos esqueletos vendrían a por ti a hacer justicia, ya sea para castigar o ayudar a los que lo necesitaban. Como ejemplo de esto tenemos a Hans Holbein, cuya Danza Macabra buscaba criticar a aquellos que se suponían que debían proteger a los más necesitados. Algo parecido podemos encontrarlo en Danse Macabre de Delain (grupo holandés de metal), en el que se narra como la muerte viene a por la protagonista, pero ella le contesta algo parecido a lo que le decía Syrio Forel a Arya Stark: “not today”. Además de esta canción, en el propio cartel promocional de su gira, llamada “Danse Macabre Tour”, podemos ver cómo se superponen a los miembros del grupo (más un invitado) una ilustración de La Danza de la Muerte que data de 1493 y que realizó Michael Wolgemut para las Crónicas de Núremberg.

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Fig. 1. Comparación del póster de la gira con la ilustración original. Fuentes: delain.nl y wikipedia.org

A partir del siglo XIX, a esta temática se le unirá la música. Camille Saint-Saëns compone en 1874 un poema sinfónico inspirándose en la Danza de la Muerte de Henri Cazalis. El propio Walt Disney hace en 1929 su propia versión musical, llamada “The Skeleton Dance”, en el que se ven esqueletos bailando encima de sus tumbas. De manera similar se referencia en la canción The Dance, de Within Temptation (grupo también holandés de metal), allá por 1998, en la que mencionan que alguien está bailando sobre su tumba (“someone is dancing on my grave”). No es de extrañar que, en este EP, se tratase este tema, teniendo en cuenta que tiene toques de Doom Metal, cuyas letras se caracterizan por tratar la muerte, así como el terror, la religión o el miedo.

Como apunte curioso, en el año 1518 hubo en Estrasburgo una extraña epidemia de baile, en la que durante días varios vecinos del lugar se pusieron a danzar hasta que la extenuación acabó con gran parte de ellos o les dejó secuelas físicas. Se desconoce el motivo de tal epidemia, aunque se baraja que pudo ser histeria colectiva o una intoxicación por un tipo de hongo que crece en el trigo que es un componente del conocido ácido lisérgico (LSD). Se desconoce si esto pudo influir en la temática de la Danza Macabra, pero no deja de ser un ejemplo real histórico del mismo.

Viendo los orígenes y su trayectoria en el Arte, se puede apreciar que tiene un largo recorrido y que sigue siendo de actualidad ya que Danse Macabre de Delain es del 2016. Así que es más que probable que aún tenga cuerda para rato y no sería de extrañar que la siguiésemos teniendo en un futuro en cualquier tipo de expresión artística.


 

Enlaces de consulta: 
https://www.atlasobscura.com/articles/danse-macabre-david-pumpkins-art-history

Enlaces de interés:
Danse Macabre
The Dance
The Skeleton Dance


[Imagen de portada extraída de: wikipedia.org]

En la cabeza resuenan balas: trastorno por estrés postraumático y heavy metal

La guerra es un tema con presencia habitual en el mundo del audiovisual: batallas, actos heroicos individuales o colectivos, resistencia en las retaguardias, relaciones personales de todo tipo de aquellos que se encuentran inmersos en el contexto bélico… Es menos corriente, sin embargo, que se reflejen las consecuencias psicológicas derivadas de todo ello, entre las que destaca la aparición del Trastorno por Estrés Postraumático (TEPT), afección psicológica caracterizada por la evocación reiterada del acontecimiento traumático, la reducción del nivel de respuesta a estímulos y el aumento del estado de vigilia. El TEPT empezó a ser descrito a finales del siglo XIX y se generalizó durante las dos guerras mundiales (en la Primera comenzó a ser conocido como “shell shock”), aunque solo fue definido por completo tras la Guerra de Vietnam. Y desde entonces nos podemos encontrar con referencias, por ejemplo, en el mundo de la música y, concretamente, en el heavy metal. Es el caso, por ejemplo, de tres canciones a las que aquí nos referiremos: To Hell and Back de Sabaton, Shell Shock de Manowar y War inside my head (dentro del tema Six degrees of inner turbulence) de Dream Theater.

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En To Hell and Back se nos presenta la historia de Audie Murphy, el soldado más condecorado de la II Guerra Mundial, cuya enorme popularidad facilitó que su historia de lucha contra la entonces llamada neurosis bélica llegara al gran público, tras escribir sus memorias y protagonizar una película sobre ellas. La canción de Sabaton, más que hacer un relato biográfico, se centra en las sensaciones de Murphy con respecto a la batalla de Anzio, durante la invasión aliada de Italia, que debido al TEPT revive constantemente en su cabeza, resonando aun en su cabeza los cañones, incluso en sus sueños, así como el recuerdo de sus compañeros caídos.

Sin embargo, como decíamos, cuando el TEPT comenzó a ser realmente conocido fue tras la Guerra de Vietnam, al haber sido diagnosticados alrededor de 70.000 soldados. Y a ese conflicto se refieren tanto War inside my head como Shell Shock. La primera de estas canciones es más genérica, pero podemos deducir que se refiere a Vietnam por las referencias al uso del napalm, lo que también se menciona en la segunda, en la que también señala que el soldado al que se le da voz estaba destinado en Saigón -capital survietnamita-. En ambas composiciones se hace referencia a las secuelas psicológicas de la guerra, como la constante sensación de revivirlo todo una vez de vuelta en casa, la de no encontrarse en casa sino todavía en el frente de combate, escuchando los gritos, los disparos o incluso los paisajes en los que todo ello tenía lugar.

Pero aunque el tema principal de la música a la que nos referimos sea el TEPT, es imposible desligarlo de los sucesos históricos en los que se enmarca. Y no solo nos podemos referir a los sucesos propiamente bélicos (como la batalla de Anzio o la Guerra de Vietnam), sino también a otros elementos: las condecoraciones militares (como ya se ha dicho, las acciones de Audie Murphy lo convirtieron en el veterano más condecorado. Entre las distinciones que le otorgaron estaban varios Corazones Púrpuras, que en Shell Shock el soldado al que se le da voz también dice tener, como prueba de su valor), el convulso clima social que rodeaba al conflicto vietnamita (en la composición de Manowar se muestra el rechazo hacia aquellos grandes hombres de negocios que no eran alistados), etc.

Así, comprobamos que el mundo de la música en general, y el heavy metal en particular, no solo trata en muchas ocasiones temas históricos, sino que incluso nos permite adentrarnos en las sensaciones más íntimas de aquellos que los protagonizaron. En este caso en concreto, nos acerca a un síndrome muy habitual en el ámbito militar, y que posiblemente -pese a ser definido hace poco tiempo- ha afectado a soldados de todas las épocas del pasado, lo que es una muestra más de que no hay Historia que no se pueda reflejar en el mundo audiovisual.


 

Enlaces a las canciones:

Sabaton. To Hell and Back:

Manowar. Shell Shock: https://www.youtube.com/watch?v=GaK_IGrWtmM

Dream TheaterWar inside my Head (en Six Degrees of Inner Turbulence): https://www.youtube.com/watch?v=nDWcAqL41t0