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Los barcos de la saga “Patrician”, o cuando la Hansa navegaba por mares de píxeles

Como en tantas ocasiones hemos comprobado en El Octavo Historiador, el sector de los videojuegos ha explotado muy a menudo la temática histórica, y el Medievo ha sido uno de los períodos con mayor presencia. Uno de los ejemplos paradigmáticos es la saga Patrician, en cuyas cuatro entregas –The Patrician (1992), Patrician II: Fortuna, poder y victoria (2000), Patrician III: Imperio de los Mares (2003) y Patrician IV (2010)- el jugador se veía inmerso en el mundo del comercio marítimo bajomedieval en el Norte de Europa, momento en el que esta actividad estaba dominada por la Liga Hanseática. Esta institución, constituida oficialmente en 1358 y con sede en Lübeck, fue una federación de ciudades -y sus comerciantes- que gozó de un dominio prácticamente total de las transacciones comerciales en el Mar del Norte y el Mar Báltico.

Y si algo era necesario para el desarrollo de esa actividad mercantil eran los barcos, naves de tipologías diversas que son clave en la saga Patrician. En estos videojuegos el jugador tiene a su disposición cuatro modelos de barco: goleta (Schnigge en la versión alemana original de los juegos), carabela (Kraier), nao (Kogge) y galeón (Hölk). Todos ellos pueden ser fabricados en los astilleros de las ciudades del juego, aunque su precio varía debido a las muchas diferencias entre los barcos sobre todo en lo referente a la capacidad de carga o el espacio disponible para armamento. También hay que tener en cuenta otros factores como la ciudad de destino (solo la goleta y la carabela pueden hacer rutas fluviales, y por tanto comerciar en los enclaves de Colonia, Torum o Novgorod).

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Fig. 1: Batalla naval con carabelas, naos y galeones. Fuente: enemigofinal.com

En lo que se refiere a la nave más pequeña de cuantas están representadas, la goleta, nos encontramos un problema que se repetirá: la traducción del juego nos puede llevar a pensar que los creadores de Patrician no estaban bien documentados históricamente. Hay que tener presente que incluso en zonas geográficamente cercanas las denominaciones de un mismo navío podían no ser idénticas, pero en este caso parece más probable que influyera el hecho de que muchas embarcaciones que se empleaban en los mares del Norte y Báltico no eran habituales en el sur de Europa, por lo que en esta zona no tenían un nombre propio. Así, los traductores optaron por que fueran más conocidos para los hispanohablantes, pero que en realidad no corresponden a los barcos de la saga. Esto se hace especialmente evidente en el caso de la carabela, nave que no se corresponde en absoluto con el Kraier, ni por tipología ni por período histórico. En cuanto a la nao, aunque nuevamente la traducción nos puede inducir a error al no haber una correspondencia exacta, es el barco en el que los desarrolladores lograron más fidelidad histórica, puesto que el Kogge de estos videojuegos es casi idéntico a las recreaciones existentes del mismo. Y la profusión de estos barcos en Patrician efectivamente encaja con la enorme popularidad que tuvieron en el comercio marítimo en el norte del Viejo Continente durante la época bajomedieval. Finalmente, hay que señalar el caso del galeón, que tiene más matices que los otros tres modelos: por un lado, nuevamente hay una traducción inexacta, puesto que el original Hölk encajaría mucho más, al ser más característico de esta zona que el galeón. Sin embargo, en cuanto a las características de esta nave, hay que destacar que la forma del casco o la eslora del barco encajan más con la de un galeón que con la de un Hölk; por lo que no parece que la representación sea tan fiel a nivel histórico como en otros casos. En este último caso si hay que mencionar que el galeón tardará cierto tiempo en estar disponible si el jugador escoge principios del siglo XIV para iniciar la partida, puesto que en ese momento esta nave aun no existía (eso si, la Hansa tampoco estaba fundada a nivel oficial en 1300, como aparece en el juego).

Así, podemos concluir que la representación de los barcos medievales en la saga Patrician es -al menos si optamos por la versión original en inglés- bastante adecuada, aunque existen pequeños errores que, de todos modos, no son especialmente destacables. Así, al que le interese acercarse de manera lúdica a la Baja Edad Media, encontrará en estos videojuegos un buen modo, aunque su fidelidad histórica no sea absoluta. En cualquier caso, siempre es interesante que existan este tipo de juegos que aborden una temática económica del pasado que, no lo olvidemos, en buena medida acaba modelando todos los procesos históricos.


[Imagen de portada extraída de: gamewatcher.com]

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A Total War Saga: Thrones of Britannia. De lo que debía ser a lo que es.

Hoy se estrena A Total War Saga: Thrones of Britannia, un nuevo giro de la famosa saga de videojuegos de estrategia Total War. En esta ocasión han dado un giro a la idea intentando centrarse en un momento clave de la historia en lugar de en personajes o grandes etapas. Por eso mismo os traemos un análisis de esta entrega donde explicamos qué tal se ajusta la saga al momento histórico y cuáles son sus principales puntos fuertes y fallos en este sentido.

 

A Total War Saga: Thrones of Britannia

 


[Imagen de portada extraída de: dualshockers.com]

“Tróndur í Gøtu” de Týr: la resistencia del paganismo en las Feroe

Un sinfín de canciones beben de hechos del pasado en sus letras. Este es el caso de Tróndur í Gøtu, tema compuesto por Týr y centrado en la figura de un destacado caudillo vikingo de las islas Feroe. Es habitual que los diversos subgéneros dentro del heavy metal hagan referencias a personajes o acontecimientos históricos, y en el caso concreto de Týr son constantes sus referencias a la era vikinga en general, así como al folklore feroés más relacionado con ese período. Los acordes del tema al que hoy nos referimos nos retrotraen al proceso de cristianización de Escandinavia, centrándose en la figura de Tróndur í Gøtu, un caudillo vikingo de las islas Feroe que se erigió en uno de los más firmes opositores a la implantación del Cristianismo en el archipiélago.

Aunque un reducido grupo de eremitas irlandeses se habían instalado en las islas por un breve período en el siglo VII, no fue hasta inicios del siglo IX cuando grupos de vikingos iniciaron una colonización efectiva de las Feroe, llevando consigo su religión. Sin embargo, el archipiélago no se puedo mantener al margen del proceso de sustitución de las creencias paganas por las cristianas en el ámbito escandinavo. Dinamarca había sido el primer reino en el que culminó este proceso, mientras que Noruega fue el siguiente, durante el reinado de Olaf Trygvasson (Olaf I). No obstante, para alcanzar su objetivo este monarca tuvo que enfrentarse a una decidida oposición de buena parte de la población. Este rey envió misioneros a las islas Feroe -que estaban bajo la órbita noruega-, donde contó con la colaboración del líder local Sígmundur Brestisson, ya convertido a la nueva fe para tratar de influir en el Althing -el parlamento feroés- y lograr una rápida conversión.

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Es aquí cuando comienza a destacar Thrándur Thorbjörnsson (conocido como Tróndur í Gøtu) acaudillando a los defensores de las antiguas tradiciones nórdicas. Sus actuaciones las conocemos gracias a la Saga de los Feroeses, un relato épico en el que se narra cómo asesina a Brestisson (tras una tormentosa y compleja relación personal previa, que incluye la adopción de este por parte de Tróndur tras participar en el asesinato de su padre). Sin embargo, y como se refiere en varias ocasiones a lo largo de la canción, Tróndur temía las represalias del rey de Noruega, como efectivamente sucedió. Si bien Olaf I falleció sin completar la cristianización del país, el ascenso al trono de Olaf Haraldsson (Olaf II el Santo) en 1015 dio un nuevo impulso al proceso, aunque la resistencia pagana feroesa encabezada por Tróndur í Gøtu se mantuvo, llegando a dar muerte al enviado real Karl Morske en 1028, lo que ponía de manifiesto que el poder efectivo en el archipiélago continuaba en sus manos, y no en las del rey. Posteriormente, el fallecimiento de Tróndur í Gøtu en 1035 traería consigo el fin de la independencia de facto de las islas Feroe y su integración en las estructuras de poder de la corona noruega, poniendo fin, de este modo, a la Era Vikinga en aquel territorio (cabe mencionar que en esta canción, el líder pagano señala que otros jefes acaban apartándose de su causa, mientras que él sí se mantendrá leal a ella hasta el día de su muerte).

Como hemos visto, en esta canción de Týr no abundan las referencias históricas concretas, sino que más bien se centra en unas reflexiones puestas en boca del propio Tróndur í Gøtu acerca del inminente conflicto entre los paganos, encabezados por él mismo, y las fuerzas enviadas por el rey Olaf. No obstante, el protagonismo que le dan a esta figura histórica puede llevar a cualquiera que lo escuche a interesarse algo más sobre unos hechos y un proceso que son relativamente poco conocidos, y ello pese a lo popular que últimamente viene siendo la Era Vikinga. El conflicto entre religiones y el proceso de sustitución de creencias y modelos de comportamiento es evidentemente muy complejo, y desde luego es algo que esta u otras composiciones musicales no dan abarcado en su totalidad, pero nunca está de más aprovecharlas para acercarse un poco más a la Historia. Y sin duda, que aparezcan hachazos por doquier seguramente no restará atractivo a aquellos seducidos por esta temática.


 

Enlace a “Tróndur í Gøtu”, de Týr:

Cantando hacia una feria del Medievo: “Scarborough Fair”

En El Octavo Historiador hemos comprobado cómo la Historia puede servir de inspiración para la composición de nuevas canciones, pero en ocasiones son sonidos de hace siglos los que nos permiten acercarnos más a nuestro pasado. Este es el caso de composiciones como Scarborough Fair, una canción que se lleva escuchando por tierras inglesas desde la Plena Edad Media, y que se ha dado a conocer por todo el mundo durante las últimas décadas gracias, sobre todo, a la versión del dúo Simon and Garfunkel.

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Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer.

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recobrar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces para lograr el enamoramiento de la persona deseada. Esto nos remite a varios aspectos interesantes relacionados con la cultura popular en el pasado; no solo a la importancia del medio natural a la hora de buscar remedios para cualquier mal, sino también a la visión del amor en época plenomedieval, y a la presencia del amor -y el desamor- romántico, tal y como lo señalaban los bardos que interpretaban composiciones como esta.

La popularidad de Scarborough Fair se debe, sobre todo, a la adaptación hecha por Simon and Garfunkel en 1966, y que aparece en la banda sonora de la película El Graduado. En España se han hecho también varias versiones utilizando la misma melodía, y entre ellas cabría destacar Romeiro ao lonxe, de Luar na Lubre, en la que también aparece como elemento recurrente las “herbiñas de namorar” gallegas.

Como decíamos antes, en este caso podemos hablar de que no es la Historia la que inspira canciones sino que, a la inversa, son algunas canciones las que nos hacen viajar al pasado, permitiéndonos escuchar lo mismo que personas del Medievo, y acercándonos un poco a las construcciones mentales de aquella época.


Enlaces de interés:
Simon and Garfunkel – Scarborough Fair:

 

Galavant, una crítica humorística a los clichés históricos

Ficha técnica:

Título: Galavant

Año: 2015 – 2016

Productora: ABC Studios / Rhode Island Ave. Productions

Directores: Dan Fogelman (Creator), Chris Koch,  John Fortenberry,  Declan Lowney, James Griffiths

Guionista: Dan Fogelman

Reparto: Joshua Sasse, Timothy Omundson, Vinnie Jones, Mallory Jansen, Karen David,Luke Youngblood, Darren Evans, etc

Duración: 2 Temporadas de 8 y 10 capítulos respectivamente.

 

Galavant es una serie musical con un total de 18 capítulos de 20 minutos de duración, en la cual se ridiculizan diferentes aspectos y temas, sobre todo relativos a la Edad Media y el mundo actual. Podemos ver entonces diferentes bromas y críticas a como se representa normalmente la época medieval en series y películas, con decorados y atrezzos intencionalmente poco elaborados. También podemos ver escenas ridiculizando la representación de justas, luchas o combates por honor y amor, banquetes, reuniones sociales, ajusticiamientos, etc., todo con un toque de humor. A mayores, también podemos encontrar guiños a musicales muy conocidos como Grease, o a elementos actuales como puede ser Twitter, la lucha feminista o el movimiento LGTB.

Por lo tanto, lejos de ser una serie histórica, es todo lo contrario, por lo que los que están aburridos de los típicos clichés de las series y películas actuales, así como los de series y películas de corte histórico o fantástico, esta serie es perfecta. Pues crítica y ridiculiza todo eso y más.

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Reparto principal. Fuente: Temporada Final

En la serie, podemos conocer a diferentes personajes de diferentes clases sociales y diferentes reinos, en nuestro mundo pero con aspecto fantástico, pues en ocasiones mencionan España o Valencia, pero a la vez podemos ver elementos mágicos (hechizos, magos o similares, etc.). En un principio se centra en la historia de Galavant, un héroe venido a menos que busca tener su propio “final feliz” después de que el Rey Richard secuestrase al amor de su vida Madalena. A lo largo de la historia conoce a la princesa Isabella, dando un giro a sus objetivos.


Enlaces de interés:

Ficha en IMDb

Ficha en FilmAffinity

Web Oficial

La Corona Partida

Año 1504, muere Isabel I de Castilla dejando como su sucesora a su hija Juana. Esta se encuentra entre dos bandos, el de su marido, Felipe el Hermoso y su padre, Fernando de Aragón, que desean para sí la corona de Castilla. Si queréis conocer más sobre este periodo entre Isabel y Carlos I (o V de Alemania) os invitamos a conocerlo a través de La Corona Partida:

La Corona Partida


[Imagen portada extraída de www.teleprograma.fotogramas.es/]

El rey Arturo a través de la música

La primera imagen que le viene a la mente a la gente al pensar en el rey Arturo, es el momento en que extrae la espada Excalibur de una roca. Pero y ¿que ocurre cuando a un momento así le añades letra y música?. De esto os hablaremos hoy en el Octavo Historiador, de como aparece representada la leyenda artúrica y la mitología celta, a través de la trilogía Excalibur del compositor Alan Simon.

El rey Arturo a través de la música


[Imagen extraída de: https://i.ytimg.com/vi/TLGth1Q6rb0/maxresdefault.jpg]