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“Tróndur í Gøtu” de Týr: la resistencia del paganismo en las Feroe

Un sinfín de canciones beben de hechos del pasado en sus letras. Este es el caso de Tróndur í Gøtu, tema compuesto por Týr y centrado en la figura de un destacado caudillo vikingo de las islas Feroe. Es habitual que los diversos subgéneros dentro del heavy metal hagan referencias a personajes o acontecimientos históricos, y en el caso concreto de Týr son constantes sus referencias a la era vikinga en general, así como al folklore feroés más relacionado con ese período. Los acordes del tema al que hoy nos referimos nos retrotraen al proceso de cristianización de Escandinavia, centrándose en la figura de Tróndur í Gøtu, un caudillo vikingo de las islas Feroe que se erigió en uno de los más firmes opositores a la implantación del Cristianismo en el archipiélago.

Aunque un reducido grupo de eremitas irlandeses se habían instalado en las islas por un breve período en el siglo VII, no fue hasta inicios del siglo IX cuando grupos de vikingos iniciaron una colonización efectiva de las Feroe, llevando consigo su religión. Sin embargo, el archipiélago no se puedo mantener al margen del proceso de sustitución de las creencias paganas por las cristianas en el ámbito escandinavo. Dinamarca había sido el primer reino en el que culminó este proceso, mientras que Noruega fue el siguiente, durante el reinado de Olaf Trygvasson (Olaf I). No obstante, para alcanzar su objetivo este monarca tuvo que enfrentarse a una decidida oposición de buena parte de la población. Este rey envió misioneros a las islas Feroe -que estaban bajo la órbita noruega-, donde contó con la colaboración del líder local Sígmundur Brestisson, ya convertido a la nueva fe para tratar de influir en el Althing -el parlamento feroés- y lograr una rápida conversión.

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Es aquí cuando comienza a destacar Thrándur Thorbjörnsson (conocido como Tróndur í Gøtu) acaudillando a los defensores de las antiguas tradiciones nórdicas. Sus actuaciones las conocemos gracias a la Saga de los Feroeses, un relato épico en el que se narra cómo asesina a Brestisson (tras una tormentosa y compleja relación personal previa, que incluye la adopción de este por parte de Tróndur tras participar en el asesinato de su padre). Sin embargo, y como se refiere en varias ocasiones a lo largo de la canción, Tróndur temía las represalias del rey de Noruega, como efectivamente sucedió. Si bien Olaf I falleció sin completar la cristianización del país, el ascenso al trono de Olaf Haraldsson (Olaf II el Santo) en 1015 dio un nuevo impulso al proceso, aunque la resistencia pagana feroesa encabezada por Tróndur í Gøtu se mantuvo, llegando a dar muerte al enviado real Karl Morske en 1028, lo que ponía de manifiesto que el poder efectivo en el archipiélago continuaba en sus manos, y no en las del rey. Posteriormente, el fallecimiento de Tróndur í Gøtu en 1035 traería consigo el fin de la independencia de facto de las islas Feroe y su integración en las estructuras de poder de la corona noruega, poniendo fin, de este modo, a la Era Vikinga en aquel territorio (cabe mencionar que en esta canción, el líder pagano señala que otros jefes acaban apartándose de su causa, mientras que él sí se mantendrá leal a ella hasta el día de su muerte).

Como hemos visto, en esta canción de Týr no abundan las referencias históricas concretas, sino que más bien se centra en unas reflexiones puestas en boca del propio Tróndur í Gøtu acerca del inminente conflicto entre los paganos, encabezados por él mismo, y las fuerzas enviadas por el rey Olaf. No obstante, el protagonismo que le dan a esta figura histórica puede llevar a cualquiera que lo escuche a interesarse algo más sobre unos hechos y un proceso que son relativamente poco conocidos, y ello pese a lo popular que últimamente viene siendo la Era Vikinga. El conflicto entre religiones y el proceso de sustitución de creencias y modelos de comportamiento es evidentemente muy complejo, y desde luego es algo que esta u otras composiciones musicales no dan abarcado en su totalidad, pero nunca está de más aprovecharlas para acercarse un poco más a la Historia. Y sin duda, que aparezcan hachazos por doquier seguramente no restará atractivo a aquellos seducidos por esta temática.

Enlace a “Tróndur í Gøtu”, de Týr:

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Deadpool Ross y el lienzo de las referencias

Hace poco más de un mes salió un avance de la continuación de Deadpool y al igual que ocurre en los cómics del Mercenario Bocazas, la anterior película y su campaña de publicidad estuvieron plagadas de referencias a la cultura popular y este tráiler no es una excepción.

Lo primero que vemos es a Deadpool, vestido con un mono y con una brocha gigante pintando y a continuación aparece junto a un lienzo con una paleta de colores y brocha ya de tamaño normal. Toda la puesta en escena ya nos dice a gritos que es una referencia a algo y a una época en concreto (por la vestimenta del propio Deadpool) y efectivamente, se trata de una parodia del programa The Joy of Painting (El placer de pintar) realizado por el pintor Bob Ross y que se emitió del 83 al 94.

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Fig. 1: Deadpool Ross junto al original Bob Ross. Fuente: Captura propia y i.ytimg.com

En él, Bob Ross enseñaba cómo pintar al óleo cuadros de paisajes y siempre comenzaba enumerando los colores que utilizaría. El teaser juega con esto y vemos que los colores tienen nombres un tanto peculiares.  Si recurrimos al video en su versión original, vemos que utilizan títulos de películas que contienen un color en el nombre, como es el caso de Clockwork Orange (Naranja Mecánica), Soylent Green (que en español se tradujo a “Cuando el destino nos alcance”), Pretty ‘n Pink (La chica de rosa) o Doc Brown (en referencia a Doc de Regreso al Futuro). También hay referencias a la música, como Girls of Indigo (dueto femenino llamado Indigo Girls) y Yellow Snow, que es parte del título de una canción de Frank Zappa, Don’t Eat The Yellow Snow.

La versión en español usa otro tipo de juegos de palabras, y las únicas referencias culturales del pasado son el Naranja Mecánico y el Rosa Pantera. Esta última puede referirse tanto a la película del 63, como a la serie de animación del 64, que se realizó tras el éxito que tuvo el diseño de la pantera en los créditos del film y que se emitió hasta los 80.

Como se puede ver, tanto las películas como la música que se mencionan, datan de entre los años 60 y los 80 (centrándose sobre todo en la década de los 80). Puede que esta predilección por dichas décadas sea por recuerdos de infancia y/o adolescencia del propio Wade Wilson.

De homenaje final, vemos que el propio Bob Ross, ya fallecido, aparece en los créditos como “Pintoductor Ejecutivo” (Executive Paintducer). Está claro que Deadpool no dejará que nos olvidemos de todo lo que ha dado los 80 a la cultura popular.

 

¿De qué año data todas estas referencias?

  • La Partera Rosa: 1963
  • La Naranja Mecánica: 1971
  • Cuando el destino nos alcance: 1973
  • Don’t Eat The Yellow Snow: 1974
  • Regreso al futuro: 1985
  • Indigo Girls: 1985 – actualidad
  • La chica de rosa: 1986

 


Enlaces de interés:

Teaser Trailer de Deadpool 2 (Castellano)

Teaser Trailer de Deadpool 2 (VO)


[Imagen de portada extraída de: Captura propia]

La danza macabra

Hoy en día, en la música se siguen tratando temas que estaban ya presentes desde hace mucho tiempo. Un ejemplo de esto, es la Danza Macabra o Danza de la Muerte. Esta temática artística surgió en la Edad Media y su finalidad era hablar sobre la universalidad de la Muerte, fuese cual fuese su condición social; todos acabarían igual. En este género, se representaban a esqueletos bailando con el Papa, reyes, campesinos, mendigos, etc. como un recordatorio de lo anteriormente dicho.

Las primeras referencias que tenemos de la Danza Macabra, datan de c. 1424 y se trata de un fresco situado en París en el Cementerio de los Santos Inocentes. En esta pintura se puede ver a vivos y esqueletos en procesión, siendo los vivos de todas las clases sociales. Dicho fresco se conservó gracias al impresor Guyot Marchant, que también hizo una versión femenina (“Danse Macabre des Femmes”). También se puede ver este cementerio, que hoy en día ya no existe, en obras de ficción como, por ejemplo, Assassin’s Creed Unity.

Posteriormente, ya no solo se trataba de una danza, sino también se utilizaba como símbolo de que estos esqueletos vendrían a por ti a hacer justicia, ya sea para castigar o ayudar a los que lo necesitaban. Como ejemplo de esto tenemos a Hans Holbein, cuya Danza Macabra buscaba criticar a aquellos que se suponían que debían proteger a los más necesitados. Algo parecido podemos encontrarlo en Danse Macabre de Delain (grupo holandés de metal), en el que se narra como la muerte viene a por la protagonista, pero ella le contesta algo parecido a lo que le decía Syrio Forel a Arya Stark: “not today”. Además de esta canción, en el propio cartel promocional de su gira, llamada “Danse Macabre Tour”, podemos ver cómo se superponen a los miembros del grupo (más un invitado) una ilustración de La Danza de la Muerte que data de 1493 y que realizó Michael Wolgemut para las Crónicas de Núremberg.

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Fig. 1. Comparación del póster de la gira con la ilustración original. Fuentes: delain.nl y wikipedia.org

A partir del siglo XIX, a esta temática se le unirá la música. Camille Saint-Saëns compone en 1874 un poema sinfónico inspirándose en la Danza de la Muerte de Henri Cazalis. El propio Walt Disney hace en 1929 su propia versión musical, llamada “The Skeleton Dance”, en el que se ven esqueletos bailando encima de sus tumbas. De manera similar se referencia en la canción The Dance, de Within Temptation (grupo también holandés de metal), allá por 1998, en la que mencionan que alguien está bailando sobre su tumba (“someone is dancing on my grave”). No es de extrañar que, en este EP, se tratase este tema, teniendo en cuenta que tiene toques de Doom Metal, cuyas letras se caracterizan por tratar la muerte, así como el terror, la religión o el miedo.

Como apunte curioso, en el año 1518 hubo en Estrasburgo una extraña epidemia de baile, en la que durante días varios vecinos del lugar se pusieron a danzar hasta que la extenuación acabó con gran parte de ellos o les dejó secuelas físicas. Se desconoce el motivo de tal epidemia, aunque se baraja que pudo ser histeria colectiva o una intoxicación por un tipo de hongo que crece en el trigo que es un componente del conocido ácido lisérgico (LSD). Se desconoce si esto pudo influir en la temática de la Danza Macabra, pero no deja de ser un ejemplo real histórico del mismo.

Viendo los orígenes y su trayectoria en el Arte, se puede apreciar que tiene un largo recorrido y que sigue siendo de actualidad ya que Danse Macabre de Delain es del 2016. Así que es más que probable que aún tenga cuerda para rato y no sería de extrañar que la siguiésemos teniendo en un futuro en cualquier tipo de expresión artística.


Enlaces de consulta: 
https://www.atlasobscura.com/articles/danse-macabre-david-pumpkins-art-history

Enlaces de interés:
Danse Macabre
The Dance
The Skeleton Dance


 

[Imagen de portada extraída de: wikipedia.org]

En la cabeza resuenan balas: trastorno por estrés postraumático y heavy metal

La guerra es un tema con presencia habitual en el mundo del audiovisual: batallas, actos heroicos individuales o colectivos, resistencia en las retaguardias, relaciones personales de todo tipo de aquellos que se encuentran inmersos en el contexto bélico… Es menos corriente, sin embargo, que se reflejen las consecuencias psicológicas derivadas de todo ello, entre las que destaca la aparición del Trastorno por Estrés Postraumático (TEPT), afección psicológica caracterizada por la evocación reiterada del acontecimiento traumático, la reducción del nivel de respuesta a estímulos y el aumento del estado de vigilia. El TEPT empezó a ser descrito a finales del siglo XIX y se generalizó durante las dos guerras mundiales (en la Primera comenzó a ser conocido como “shell shock”), aunque solo fue definido por completo tras la Guerra de Vietnam. Y desde entonces nos podemos encontrar con referencias, por ejemplo, en el mundo de la música y, concretamente, en el heavy metal. Es el caso, por ejemplo, de tres canciones a las que aquí nos referiremos: To Hell and Back de Sabaton, Shell Shock de Manowar y War inside my head (dentro del tema Six degrees of inner turbulence) de Dream Theater.

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En To Hell and Back se nos presenta la historia de Audie Murphy, el soldado más condecorado de la II Guerra Mundial, cuya enorme popularidad facilitó que su historia de lucha contra la entonces llamada neurosis bélica llegara al gran público, tras escribir sus memorias y protagonizar una película sobre ellas. La canción de Sabaton, más que hacer un relato biográfico, se centra en las sensaciones de Murphy con respecto a la batalla de Anzio, durante la invasión aliada de Italia, que debido al TEPT revive constantemente en su cabeza, resonando aun en su cabeza los cañones, incluso en sus sueños, así como el recuerdo de sus compañeros caídos.

Sin embargo, como decíamos, cuando el TEPT comenzó a ser realmente conocido fue tras la Guerra de Vietnam, al haber sido diagnosticados alrededor de 70.000 soldados. Y a ese conflicto se refieren tanto War inside my head como Shell Shock. La primera de estas canciones es más genérica, pero podemos deducir que se refiere a Vietnam por las referencias al uso del napalm, lo que también se menciona en la segunda, en la que también señala que el soldado al que se le da voz estaba destinado en Saigón -capital survietnamita-. En ambas composiciones se hace referencia a las secuelas psicológicas de la guerra, como la constante sensación de revivirlo todo una vez de vuelta en casa, la de no encontrarse en casa sino todavía en el frente de combate, escuchando los gritos, los disparos o incluso los paisajes en los que todo ello tenía lugar.

Pero aunque el tema principal de la música a la que nos referimos sea el TEPT, es imposible desligarlo de los sucesos históricos en los que se enmarca. Y no solo nos podemos referir a los sucesos propiamente bélicos (como la batalla de Anzio o la Guerra de Vietnam), sino también a otros elementos: las condecoraciones militares (como ya se ha dicho, las acciones de Audie Murphy lo convirtieron en el veterano más condecorado. Entre las distinciones que le otorgaron estaban varios Corazones Púrpuras, que en Shell Shock el soldado al que se le da voz también dice tener, como prueba de su valor), el convulso clima social que rodeaba al conflicto vietnamita (en la composición de Manowar se muestra el rechazo hacia aquellos grandes hombres de negocios que no eran alistados), etc.

Así, comprobamos que el mundo de la música en general, y el heavy metal en particular, no solo trata en muchas ocasiones temas históricos, sino que incluso nos permite adentrarnos en las sensaciones más íntimas de aquellos que los protagonizaron. En este caso en concreto, nos acerca a un síndrome muy habitual en el ámbito militar, y que posiblemente -pese a ser definido hace poco tiempo- ha afectado a soldados de todas las épocas del pasado, lo que es una muestra más de que no hay Historia que no se pueda reflejar en el mundo audiovisual.

Enlaces a las canciones:

Sabaton. To Hell and Back:

Manowar. Shell Shock: https://www.youtube.com/watch?v=GaK_IGrWtmM

Dream TheaterWar inside my Head (en Six Degrees of Inner Turbulence): https://www.youtube.com/watch?v=nDWcAqL41t0

True Survivor y la nostalgia ochentera

Hoy volvemos a los ochenta de la mano de True Survivor, canción que surgió por el corto Kung Fury, dirigido por David Sandberg y protagonizado por el mismo, en el que vemos las aventuras de un policía de Miami. Aquí nos encontraremos a figuras notorias de los ochenta, como David Hasselhoff y muchas más referencias de esta década, tanto de cine como por ejemplo, la estética de una de las bandas de The Warriors, los videojuegos a través de la imitación del movimiento scroll propio del Street Fighter y la tecnología con el Power Glove de la NES.

True survivor y la nostalgia ochentera

 


[Imagen de la cabecera extraída de: captura propia del videoclip]

Cantando hacia una feria del Medievo: “Scarborough Fair”

En El Octavo Historiador hemos comprobado cómo la Historia puede servir de inspiración para la composición de nuevas canciones, pero en ocasiones son sonidos de hace siglos los que nos permiten acercarnos más a nuestro pasado. Este es el caso de composiciones como Scarborough Fair, una canción que se lleva escuchando por tierras inglesas desde la Plena Edad Media, y que se ha dado a conocer por todo el mundo durante las últimas décadas gracias, sobre todo, a la versión del dúo Simon and Garfunkel.

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Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer.

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recobrar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces para lograr el enamoramiento de la persona deseada. Esto nos remite a varios aspectos interesantes relacionados con la cultura popular en el pasado; no solo a la importancia del medio natural a la hora de buscar remedios para cualquier mal, sino también a la visión del amor en época plenomedieval, y a la presencia del amor -y el desamor- romántico, tal y como lo señalaban los bardos que interpretaban composiciones como esta.

La popularidad de Scarborough Fair se debe, sobre todo, a la adaptación hecha por Simon and Garfunkel en 1966, y que aparece en la banda sonora de la película El Graduado. En España se han hecho también varias versiones utilizando la misma melodía, y entre ellas cabría destacar Romeiro ao lonxe, de Luar na Lubre, en la que también aparece como elemento recurrente las “herbiñas de namorar” gallegas.

Como decíamos antes, en este caso podemos hablar de que no es la Historia la que inspira canciones sino que, a la inversa, son algunas canciones las que nos hacen viajar al pasado, permitiéndonos escuchar lo mismo que personas del Medievo, y acercándonos un poco a las construcciones mentales de aquella época.

Simon and Garfunkel Scarborough Fair:

¿Sabías que…? (XIX) Boney M

Uno de los grupos más destacados del panorama musical disco europeo del siglo XX fue, sin duda, Boney M. Fundado a mediados de los 70, cosechó numerosos éxitos a finales de esa misma década e inicios de la siguiente, tanto por sus canciones como por el despliegue escénico que los caracterizaba. A día de hoy sus grandes éxitos todavía suenan en la radio y, algunos de ellos, nos acercan a diferentes episodios o personajes de la historia reciente.

La primera de ellas es Ma Baker (1977). Canción dedicada a Kate “Ma” Baker, una destacada figura en la esfera del crimen de la convulsa Norteamérica de principios del siglo XX. Sus cuatro hijos formaron en 1931 la banda criminal de los Barker-Karpis, la cual se suponía liderada por la propia Ma Baker. A día de hoy se duda que “Ma” fuese la cabeza de dicha organización, pero se tiene constancia de su participación activa en la misma, encargándose entre otras cosas de esconder a los miembros de la banda.

La segunda es Rivers of Babylon (1978). Esta canción no trata exactamente un episodio histórico, sino que reinterpreta algunos salmos bíblicos, en relación al sufrimiento del pueblo judío por su exilio de Jerusalén, tras la toma de la ciudad por el Imperio babilonio.

La tercera es Rasputin (1978). Grigori Rasputín, destacado sacerdote y místico ruso, fue consejero y médico de la familia del zar Nicolás, con anterioridad a la caída definitiva del zarismo. Personaje misterioso y excéntrico, es recordado principalmente por su truculenta y convulsa muerte, que le llegó a manos de la nobleza rusa, que habría utilizado todos los medios a su disposición para acabar con él. A pesar de ello, a día de hoy sigue sin aclararse si la muerte del místico se produjo por los múltiples disparos que recibió o por ahogamiento, tras ser arrojado al río Nevá por sus enemigos.

Por último, El Lute (1979). Eleuterio Sánchez Rodríguez, apodado El Lute, fue un polémico personaje de mediados del s. XX en España. Copó los medios de comunicación del momento al ser encarcelado por el robo de tres gallinas en un acto de necesidad, condena que provocó un gran revuelo social. A partir de ese momento, su lista de crímenes fue en aumento, así como su aparición en los medios de comunicación, llegando a ser condenado a la pena capital, de la cual finalmente acabaría por librarse.

Como podemos ver, Boney M hace un pequeño repaso a algunos personajes y hechos históricos poco conocidos, sobre todo en el caso de Ma Baker y El Lute. Resulta curioso que esta banda, conocida principalmente por los arrítmicos y estrambóticos bailes de Bobby Farrell -el integrante masculino del grupo- haya llenado las letras de sus canciones de personajes que, por una u otra razón, ya han pasado a formar parte de la historia.