The Get Down: del disco al hip hop

Ficha técnica:
Título: The get down
Género: Drama musical. Años 70.
Creadores: Baz Luhrmann y Stephen Adly Guirgis
País: Estados Unidos
Año: 2016
Reparto: Justice Smith, Herizen F. Guardiola, Shameik Moore, Skylan Brooks, Jaden Smith, Giancarlo Esposito, Jimmy Smits, etc.
Productora: Netflix y Sony Pictures Television.

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Este mes nos ha llegado el estreno de una de las series más esperadas del año, de mano de una de las productoras estrella en la actualidad que está cambiando el modo de entender la televisión –Netflix. Se trata de The Get Down, cuyos 12 episodios (de los cuales sólo se han emitido 6, reservando el resto para una fecha indeterminada de 2017) han contado con un presupuesto de 120 millones de dólares, que se invirtieron en recrear escenarios devastadores propios de un país en guerra para representar el barrio neoyorquino del Bronx. Muestra, asimismo, una gran atención a los detalles, especialmente en el vestuario y la música.

De este modo, nos trasladamos al año 1977 a un Nueva York de grandes contrastes. Por un lado tenemos el “mundo blanco” de Manhattan, marcado por la presencia de grandes hombres de negocios, especulación y protagonizada por las elecciones a la alcaldía de la ciudad. En este aspecto podemos destacar el gran apagón que sufrieron en pleno julio, que duró tres días y causó innumerables saqueos, protestas y detenciones. Ello propició el ascenso del demócrata Edward I. Koch, cuyo discurso estaba marcado por la necesidad de retomar el orden en una ciudad perdida en su propio caos, especialmente en el barrio marginal del Bronx. Será aquí donde transcurrirá el grueso de la serie, mostrando el otro lado de la ciudad, marcado por la presencia mayoritaria de afroamericanos y latinoamericanos, con un enorme índice de paro, pobreza y criminalidad.

La industria musical, omnipresente en todo momento, se encuentra dominada por la música disco, con grandes nombres como Donna Summer, The Trammps o Boney M, siendo aquí donde quiere triunfar la protagonista femenina Mylene Cruz –interpretada por Herizen Guardiola–. Sin embargo, en los barrios bajos se va formando un nuevo sentimiento, más oscuro y que retrata la realidad del momento de forma cruda y sin tapujos. Es en este entorno donde se halla el nacimiento del hip hop, que es el auténtico protagonista de la producción.

Aquí es donde destaca la gran labor de la serie, ya que contó con asesores que vivieron en primera línea dicho nacimiento. Un ejemplo de ello es el rapero Grandmaster Flash, que incluso aparece interpretado, y que aporta a la serie no sólo su visión de la época, sino también del estilo y de los aspectos más técnicos en la creación musical. Ocurre lo mismo con DJ Kool Herc, considerado uno de los padres del hip hop.

Por último, cabe destacar también un aspecto que siempre estuvo olvidado, pero que fue vital –como se indica en un momento de la serie– para que un disco conociera o no la salida al mercado. Se trata del mundo gay, uno de los grupos marginales más rebeldes, que dominaba muchas de las discotecas más populares y elitistas de la época en Nueva York. Recordemos que fue en 1969 cuando ocurrieron los Disturbios de Stonewall, icónico momento que representó el origen de las marchas LGTB y la lucha por los derechos sociales para este colectivo, aumentando así su presencia en la sociedad norteamericana.

Todo ello convierte a esta serie en un nuevo ejemplo de querer representar distintas realidades sociales en un contexto histórico no tan lejano. La lucha por la igualdad de oportunidades consigue, de este modo, una nueva banda sonora, esta vez a base de disco y hip hop.


[Imágenes extraídas de http://www.nationofbillions.com y http://www.vogue.com]

Sayonara, Sorcier: La historia de Theo y Vincent van Gogh

Ficha técnica:
Título: Sayonara, Sorcier
Autor: Hozumi
Editorial: Shogakukan
Editorial en España: Milky Way Ediciones
Año: 2013
Volúmenes: 2

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Sayonara, Sorcier nos trae una interesante interpretación de la relación entre los hermanos Vincent y Theodorus van Gogh. Así, se nos traslada al ambiente parisino de 1885, donde Theo trabaja como marchante de arte en la prestigiosa sede de la galería Goupil & Cie. Su figura es la de un personaje altamente carismático, resuelto a enfrentarse a la Academia y a apreciar el verdadero valor de los pintores rechazados por la misma, fomentando el auge incipiente del impresionismo, que hasta entonces se encontraba recluido en las tabernas de Montmartre. Resulta curioso que, por una vez, se le dé tanto protagonismo al que fue el gran instigador y benefactor de Vincent van Gogh, alabando así su importante labor en el cambio de mentalidad de la época, donde solo triunfaba lo académico.

De este modo, el autor nos presenta distintos artistas marginados de la época, como Henri de Toulouse-Lautrec, Gauguin y el propio Vincent. Paralelamente, va mostrando algunas de sus obras más celebres a lo largo del manga, especialmente de este último. También hace lo propio con aquellos artistas que siguen los cánones establecidos, como Jean-Léon Gérôme, que se nos presenta como rival de Theo.

Es importante señalar además la gran traducción de Salomón Doncel Moriano-Urbano para Milky Way Ediciones, ya que, en todo momento, acompaña el texto con notas explicativas que muestran detalles de los artistas, de sus obras o de los edificios y lugares emblemáticos que van apareciendo a lo largo del relato. Todo ello permite al lector tener una comprensión más global y real del momento tratado.

La contrapartida al realismo mostrado en la obra la vemos en el propio personaje de Vincent Van Gogh, ya que se le muestra como una persona alegre, incapaz de sentir tristeza ni maldad e inocente en exceso. De hecho, es asesinado por un ladrón el día antes de presentar una exposición que aguardaba con ansias. A raíz de su muerte prematura, Theo decide reescribir la historia de su hermano para convertirle en una víctima de su propia existencia, melancólico, inadaptado y con tendencias suicidas. Incluso convence a Gauguin para que mienta al decir que se cortó un trozo de oreja tras una de sus visitas. De este modo consigue que la gente se interese por su amplia obra, unida a la vida de un pintor trágico que resultaba más interesante. Todo ello lo apoya con la redacción de centenares de cartas que finge haber tenido con él.

A pesar de esto último, que no deja de ser una interpretación libre del autor de cómo pudo haber sido la realidad, la obra muestra de forma fiel una época marcada por la ruptura emocional contra el arte académico, donde se pretende acercar las obras a todo el mundo y no solo a una élite. Cambian de este modo también los temas, transformando los retratos de aristócratas y las escenas mitológicas en retratos populares de burdeles y cafeterías, bodegones sencillos y paisajes diarios que nunca se habían visto representados en un lienzo.


[Imágenes extraídas de http://ramenparados.com y http://milkywayediciones.com]

Nightwish y Tutankamon

No es la primera vez que tratamos en el Octavo Historiador la figura del famoso faraón niño Tutankamon (“La serie Tut: un análisis crítico”). En ese artículo se analizó la serie de Muse Entertainment  llamada Tut y en esta ocasión, os traemos otra visión, esta vez a través de la música con la canción Tutankhamen de Nightwish.

Nightwish es un grupo de metal sinfónico finlandés que nació en el año 1996, creado por el compositor Tuomas Holopainen. El primer disco que publicaron fue Angels Fall First, siendo precisamente aquí donde aparece dicha canción.

La temática egipcia la han empleado en otras ocasiones como, por ejemplo en The Pharaoh sails to Orion, de su segundo disco Oceanborn, aunque en este caso no hablan de ningún faraón en concreto.

Volviendo a la canción de Tutankhamen, en las primeras estrofas, aparecen algunos elementos de la cultura egipcia, como las pirámides, templos y gatos (animales adorados por estos):

As the sun sets beyond the pyramid  […]

(Mientras el sol cae más allá de la pirámide)

Hear the cats meowing in the temple […]

(Escucha a los gatos maullar en el templo)

 

Llegando al estribillo, este menciona el tesoro de Tutankamon (famoso por permanecer intacto a través del tiempo) y el Valle de los Reyes, lugar donde se encuentra su tumba (la KV62), al igual que la de otros faraones del Imperio Nuevo. También resulta curioso que mencione una “puerta estelar”, esto puede deberse a la influencia del compositor de las bandas sonoras de películas. En este caso podría tratarse de “Stargate”, que se estrenó en 1994. Además, la egipcia es una civilización que la cultura popular ha gustado de mezclar con elementos alienígenas por lo que no sería de extrañar la influencia de la película en la canción.

      Treasure of Tutankhamen […]

                                                                  (Tesoro de Tutankamon)

Take me with you

(Llévame contigo)

                                                                             Through the stargate   

     To the valley of the kings 

         (A través de la “puerta estelar”

                                                                  hacia el Valle de los Reyes)

 

La última parte sí que ya tiene un mayor contenido histórico, pues habla del descubrimiento de la tumba por Howard Carter, que sucedió en el año 1922 y de los 3 milenios que llevaba esta oculta.

    Three millenniums it took me to guard your rest […]

      (Tres milenios me ha llevado velar tu descanso)

       But tonight the darkness in the tomb has perished 
          For Carter has come to free my beloved

            (Pero esta noche la oscuridad en la tumba ha perecido

             Por Carter  que ha venido a liberar a mi amado)

Como podemos ver, la canción no hace referencia ninguna a aspectos de la vida del faraón, sino más bien a su sepulcro. Este es otro ejemplo más de la gran fama que tuvo el hallazgo de la tumba de Tutankamon y que aún a día de hoy es lo que más atrae de este personaje, ya sea por las circunstancias de su descubrimiento (que el tesoro estuviese intacto, la supuesta “maldición”, etc.) o que es lo que más se conoce de este faraón niño.

Aquí os dejamos la canción!

Nightwish – Tutankhamen


[Imagen extraída de: 1.bp.blogspot.com]

La Pasión según Mel Gibson: experiencia religiosa ¿e histórica?

Ficha técnica:

Título: “La Pasión de Cristo” (“The Passion of the Christ”)

Director: Mel Gibson

Año: 2004

Nacionalidad: EE.UU.

Reparto: Jim Caviezel, Monica Bellucci, Maia Morgenstern, FrancescoDeVito, etc.

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En lo que va de siglo ha habido varias películas polémicas debido a su argumento o a aspectos de corte más visual. Una de las más destacadas ha sido “La Pasión de Cristo”, obra dirigida por Mel Gibson y estrenada en el año 2004, y protagonizada por Jim Caviezel, encargado de interpretar a Jesús de Nazaret. Ya desde el momento de su primera proyección, este film causó un enorme revuelo debido a la crudeza de sus imágenes, pero pronto obtuvo un enorme respaldo conseguido por parte del público cristiano (especialmente el católico, recibiendo alabanzas incluso desde la cúspide de la Iglesia Católica). Pero también amplios sectores de crítica y público alejados de estas motivaciones religiosas mostraron su entusiasmo debido a elementos más técnicos (ambientación, interpretación, banda sonora, etc.).

Por lo que a los apasionados de la Historia se refiere, católicos o no, la particular visión que ofrece Mel Gibson sobre la Pasión tiene un considerable interés, debido al pretendido realismo del film. Hay numerosos elementos a tener en cuenta, algunos acertados a nivel histórico, y otros no tanto. En primer lugar podemos referirnos al propio lenguaje: en “La Pasión de Cristo” los personajes hablan en arameo, hebreo o latín según el caso, lo que en general es correcto, si bien obvia el hecho de que en esta zona del Imperio Romano se empleaba mucho más el griego que el latín. En cuanto a los personajes, su caracterización es correcta, si bien hay que hacer una salvedad en la figura de Cristo: aparece con el pelo largo y barba, tal y como acostumbramos a verlo representado, aunque no era lo habitual en la Judea de aquella época. La crucifixión muestra también algunas imprecisiones (a los reos se les introducían los clavos en las muñecas, no en las palmas de las manos), seguramente debido a un interés por respetar la iconografía tradicional. Nos encontramos además, trama principal aparte, con otros detalles referentes a transformaciones culturales del momento, como puede ser el uso de sillas (hasta entonces muy poco extendido, y menos aún en esa zona), reflejado en un flashback de la vida de Jesús anterior a su predicación.

Como afirma el director, todo está extraído directamente de la Biblia, a la que quiere ser fiel en todo momento. Esto es así en la mayor parte de la película, lo que no implica necesariamente que sea correcto a nivel histórico. Esto es debido a que, como sucede con otros textos, los Evangelios están sujetos a interpretación, aunque evidentemente sí son una interesante fuente histórica a tener en cuenta, al aportarnos valiosa información sobre la Antigüedad. Así, “La Pasión de Cristo” puede considerarse más como una “experiencia religiosa” que propiamente histórica, aunque no por ello hay que olvidar que trata de respetar esta en buena medida, y que por tanto si es útil para acercarnos más a aquellos decisivos sucesos.

Efeméride del Mes (Parte 2): El cómic y la Guerra Civil

En julio de 1936 comienza la Guerra Civil Española. Entre el 17 y 23 de ese mismo mes tiene lugar un golpe de estado militar que pretendía derrocar el gobierno de la Segunda República. Tras su fracaso se inicia un período de casi tres años de guerra que no solo darían pie al establecimiento de una dictadura, sino que serviría de preámbulo para la Segunda Guerra Mundial.

Como ya vimos en un artículo anterior, estos sucesos supusieron un gran impacto, no solo a nivel histórico, sino también a nivel cultural, lo cual supuso la creación de numerosas películas que o bien narran sucesos reales o bien emplean este contexto como trasfondo de su historia.

Por su parte, la Guerra Civil Española tiene también una estrecha relación con el medio del cómic. Por una parte nos encontramos con las obras de temática bélica producidas durante el conflicto a modo de propaganda y entretenimiento, así como los relatos posteriores a la misma, desde el franquismo hasta la actualidad. Dentro de estas últimas podemos destacar el monumental 36-39 Malos tiempos de Carlos Giménez o Un Largo Silencio de Miguel Gallardo.

La importancia de esta relación ha provocado la convocatoria en la ciudad francesa de Angulema de un congreso internacional bajo el título “Guerre Civile Espagnole et Bande Dessinée” el cual tendrá lugar entre los días 16 y 18 de Noviembre en el Musée de la bande desinée d’Angoulême.En este congreso, divulgadores franceses y españoles tratarán problemáticas acerca de la representación de la Guerra Civil en el cómic, tanto en aquellas obras realizadas durante el conflicto, como posteriormente en el franquismo y  tras él.

Entre los participantes españoles podemos destacar al divulgador Álvaro Pons, al divulgador y autor Antonio Altarriba o al historiador Antonio Martin.

Podéis encontrar toda la información sobre el congreso en su página web

Por último, os recomendamos tres artículos acerca de cómic que podeis leer para acercaros a este período de nuestra historia:

 


[Imagen extraída de fancueva.com]

 

 

¿Sabías que…? (XII) El droide Hailfire y el tanque del Zar

La primera batalla de Geonosis fue una contienda que tuvo lugar en este planeta desértico homónimo, durante Star Wars II: El ataque de los clones, y que supuso el comienzo del conflicto que recibiría el nombre de las Guerras Clon. En ella se enfrentaron la Orden Jedi, junto con el recién incorporado ejército clon de la República, contra las tropas de geonosianas y droides de la Confederación de Sistemas Independientes.

Entre el variado armamento que se nos presenta en esta batalla, podemos destacar el Tanque droide IG-227 clase Hailfire. Este vehículo autónomo del ejército de la Confederación es fácilmente reconocible por estar compuesto por dos enormes ruedas paralelas unidas a un pequeño cuerpo central, que porta 30 misiles que demostraron ser de gran eficacia contra los AT-TE del ejército clon.

A pesar de que esta máquina, al igual que todas las armas de esta afamada saga, pertenece a la ciencia ficción, su forma no deja de recordarnos a un objeto histórico no muy conocido. Hablamos del Netopyr (Нетопырь, murciélago en ruso) o tanque Lebedenko, llamado comúnmente Tanque del Zar, un prototipo de vehículo blindado desarrollado en Rusia entre 1914 y 1915.

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A diferencia de los vehículos blindados que en el aquel momento estaban siendo desarrollados por el resto de países, los cuales empleaban el sistema de orugas, el Netopyr se basaba en dos enormes ruedas de nueve metros de diámetro para avanzar por terrenos complicados. Entre ambas ruedas se encontraba la cabina, que contaba con una torreta principal y dos cañones laterales. Además contaba con una “cola”, que apoyaba una tercera rueda de metro y medio de diámetro, para otorgarle la estabilidad necesaria.

Se llegó a construir un prototipo del mismo, pero debido a su alto coste, a los malos resultados en las primeras pruebas y la vulnerabilidad de sus ruedas contra la artillería, el proyecto fue cancelado.

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Otra semejanza que no deja de ser llamativa es que, mientras que las ruedas del Netopyr cuentan con 9 metros de diámetro, las del Hailfire son de 8’5 metros, siendo ambas máquinas de tamaños muy semejantes.

Una vez más nos encontramos con un ejemplo, casual o intencionado, de cómo en ciertas ocasiones los elementos de la ciencia ficción se asemejan a tecnologías innovadoras de cualquier período histórico, hubiesen salido adelante o no.

 


[Imágenes extraídas de StarWars.com y Tecntonicablog.com]

Efeméride del Mes: 18 de julio, el amanecer de una Guerra

Hay una gran cantidad de momentos que han marcado nuestra Historia y nuestra sociedad. En el caso español, está claro que uno de ellos es el estallido de la Guerra Civil, un cruento conflicto con una constante presencia en el mundo audiovisual desde el mismo momento de su inicio.

Desde el Protectorado de Marruecos, las primeras fuerzas sublevadas iniciaron el golpe militar el 17 de julio de 1936. Sin embargo, la fecha que habitualmente se considera como inicio de la Guerra es la del 18 de julio, cuando por toda España se extendieron los levantamientos de parte del Ejército contra el gobierno del Frente Popular. Aunque los golpistas no lograron hacerse con el control de todo el territorio, tampoco el Gobierno consiguió acabar con la sublevación, de modo que se inició un conflicto que se extendería hasta el 1 de abril de 1939, y que dividiría España en dos bandos: el nacional, sublevado o rebelde (dirigido por el Ejército, y con el apoyo de las derechas, incluyendo a tradicionalistas y Falange) y el republicano (esencialmente izquierdista, donde destacaban socialistas de diversas tendencias, comunistas o anarquistas). Tras casi tres años de enfrentamientos, la Guerra Civil concluyó con el asentamiento de un régimen dictatorial encabezado por el general Francisco Franco, que se prolongaría hasta 1975, pero que fue tomando cuerpo ya desde inicios de la contienda.

Durante la época franquista, el 18 de julio pasó a ser fiesta nacional; era la conmemoración del “Alzamiento Nacional” frente a  los enemigos de la Patria, tal y como los entendía el nuevo Régimen. Pero además de desfiles y demás actos públicos, el Franquismo optó por vincularlo a medidas de corte más social, como fue la creación de una segunda paga extraordinaria a todos los trabajadores, que se abonaría en esa fecha, pasando a ser popularmente conocida como “paga del 18 de julio”, que se sumaba a la creada pocos años antes con motivo de las Navidades.

El mundo del audiovisual ha tratado este conflicto desde diversas perspectivas ya desde el mismo inicio de la Guerra Civil, y hasta la actualidad. Ingentes cantidades de películas se han ambientado en estos hechos (“Raza”, “Rojo y Negro”, “Tierra y Libertad”, “Dragón Rapide”, “Libertarias”, “13 Rosas”, “La Vaquilla” y un largo etcétera), así como series de televisión, cómics, videojuegos, etc. Y muchos de ellos haciendo referencia concreta a la fecha protagonista de esta Efeméride del Mes, uno de esos días que tanto acaban significando en la Historia.

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